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Il sodalizio fra moda e cinema è più stretto di quanto si possa pensare. I costumi rappresentano infatti una parte fondamentale nelle produzioni cinematografiche, tanto da avere un premio dedicato anche agli Oscar. Una suggestione fatta di tessuti e colori, che sul grande schermo amplifica l'ego dei personaggi, e contribuisce a rendere il film più vero e reale. Se da una parte Hollywood può contare su un consistente numero di costumisti, esiste una realtà più di nicchia in cui a realizzare gli abiti di scena sono grandi nomi della couture, designer come Coco Chanel, Yves Saint Laurent e Pierre Balmain, che con la loro arte hanno contribuito a rendere un film indimenticabile. Dal tubino nero che Hubert de Givenchy disegnò per Audrey Hepburn in Colazione da Tiffany, alle divise spaziali in maglia metallica di Paco Rabanne indossate da Jane Fonda in Barbarella, ecco i film con costumi realizzati da famosi designer.

Piace a Troppi, noto anche come E Dio Creò la Donna, è un film di Roger Vadim con protagonisti Brigitte Bardot e Jean-Louis Trintignant. Juliette, interpretata dalla Bardot, è una donna bellissima e sensuale, indipendente e senza inibizioni, che dopo aver lasciato l'orfanotrofio in cui ha vissuto si ritrova in un piccolo villaggio di pescatori sulla Costa Azzurra, creando scompiglio nella vita serena e tranquilla degli abitanti. A vestirla accrescendo la sua fama di sex symbol internazionale è Pierre Balmain, che per lei crea abiti a clessidra, gonne morbide ma strette in vita e ampie camice dal taglio maschile indossate come vestiti. Il film è diventato iconico, e tanta è stata la fama riscossa che il paesino francese in cui è stato girato, all'epoca quasi sconosciuto, è oggi fra le mete turistiche più amate al mondo: Saint Tropez.

Con Colazione da Tiffany, il regista Blake Edwards ha creato il mito di Audrey Hepburn. Tratto dall'omonimo romanzo di Truman Capote, il film segue le vicende di Holly Golightly, una ragazza che aspira a una vita di lusso e agi, sperando nella fortuna di un matrimonio d'interesse. Raffinata, elegante, e viveur per eccellenza, la figura di Holly è resa ancora più leggendaria dagli abiti di Hubert de Givenchy. Il couturier, con cui la Hepburn stringerà una lunga e sincera amicizia, è infatti l'artefice del celebre tubino nero che appare nella prima scena del film, in cui Holly - brioche e cappuccino in mano, occhiali da sole e appariscenti gioielli - cammina in una New York ancora addormentata per consumare la sua colazione davanti alle vetrine di Tiffany.

Come poter valorizzare la bellezza e la texture di un abito in un film in bianco e nero? A rispondere è Coco Chanel, che nel 1961 realizza i costumi per il film di Alain Resnais L'anno scorso a Marienbad, con la bellissima Delphine Seyrig. Piume, chiffon e broccato rivelano le loro consistenze anche in assenza di colore, puntando sull'importanza del volume, della leggerezza e del movimento. Tratto dall'opera L'invenzione di Morel di Adolfo Bioy Casares, il film è ambientato in un sontuoso palazzo della Baviera, dove una serata teatrale si trasforma in un nostalgico viaggio nella memoria della protagonista.

Quello fra Catherine Deneuve e Yves Saint Laurent è stato uno dei più celebri legami fra musa e artista nella storia della moda. Nella sua magistrale interpretazione di Séverine in Bella di Giorno di Luis Buñuel, la Deneuve sfoggia un meraviglioso guardaroba interamente firmato Saint Laurent: tubini, cappotti dal taglio a campana, linee pulite e design sobri ed eleganti caratterizzano lo stile del personaggio, tanto ambiguo quanto affascinante. A un anno dal matrimonio, Séverine è intrappolata nella noia e nella repressione del desiderio, che passa i suoi pomeriggi in una casa chiusa incontrando uomini con il soprannome Bella di Giorno. Fra i manifesti del cinema di Buñuel, il film vinse il Leone D'Oro nella 32ª Mostra internazionale d'arte cinematografica di Venezia.

Dopo Brigitte Bardot, il regista Roger Vadim dirige una stupenda Jane Fonda nel film Barbarella, dove l'attrice interpreta un'astronauta del 41esimo secolo che viaggia nello spazio alla ricerca di uno scienziato scomparso. Creare dei costumi che avessero un'estetica futuristica ma al contempo primitiva per accentuare la personalità disinibita di Barbarella era un'impresa che richiedeva il genio di un designer visionario e rivoluzionario: Paco Rabanne. Per Jane Fonda vennero creati corpetti rigidi e scultorei, modellati sul corpo dell'attrice. Non mancano crop top e minigonne in maglia metallica, materiale emblema della maison, cui si abbinavano stivali al ginocchio con alto plateau.

Con Gérard Depardieu e Bulle Ogier, il film di Barbet Schroeder racconta la vita della dominatrice Ariane, inizialmente travolta da un vortice di amanti, che scopre invece il sentimento grazie all'incontro con Olivier. A disegnare i costumi di scena è Karl Lagerfeld, che prende ispirazione dall'abbigliamento bondage. Molti sono i capi in latex, attillati, i bustier e i guanti lunghi in pelle, in una vivace reinterpretazione della sessualità femminile. In onore del designer scomparso nel 2019, Silvia Venturini Fendi, che per anni ha lavorato a fianco di Lagerfeld, lo ha omaggiato nella sfilata autunno inverno 2021 della maison romana, portando il suo team a una visione privata del film prima dello show.

Diretto da Paul Schrader, American Gigolò è un film che ha plasmato l'ideale di moda maschile degli anni 80 e 90. Con Richard Gere nei panni del gigolò Julian Kay e una stupenda Lauren Hutton, il film ha un costumista d'eccezione: Giorgio Armani. A lui si deve il guardoroba elegantissimo del protagonista, con completi sartoriali, cappotti cammello, pantaloni in lino bianchi e camicie leggere. I colori sono neutri, blu, bianco, grigio, nero, in puro stile Armani. Il successo riscosso dal film e dai costumi è stato talmente grande che per molti anni l'abito maschile sfoggiato da Richard Gere è stato ribattezzato come “American Gigolò suit”. 

Baz Luhrmann ha realizzato uno degli adattamenti meglio riusciti della tragedia shakespeariana, paragonabile per valore cinematografico e artistico solo alla versione di Franco Zeffirelli del 1968. Leonardo DiCaprio e Claire Danes interpretano “gli amanti nati sotto stelle avverse”, catapultati dalla pittoresca Italia cinquecentesca a una scatenata e postmoderna Verona Beach, ricalcata sul profilo di una Miami anni 90. Alla classica opulenza delle corti europee, Luhrmann sceglie il minimalismo chic di Miuccia Prada, che per il film disegna non solo gli outfit romantici di Giulietta, tra cui l'abito bianco con ali d'angelo che segna il primo e fatale incontro con Romeo, ma anche quello del suo innamorato, in camicie con maniche a tre quarti, stampe psichedeliche e completi dall'estetica navy.

Luca Guadagnigno è un abile narratore dell'amore intimo e segreto, una qualità che gli è valsa un successo internazionale grazie a Chiamami col tuo nome (2017) con Timothée Chalamet e Armie Hammer. In Io sono l'amore, Tilda Swinton interpreta Emma Recchi, una donna insoddisfatta del proprio matrimonio, che eclissa se stessa per rispettare il ruolo di madre, moglie e padrona di casa perfetta. Tutto il suo mondo viene sconvolto dall'incontro con il cuoco Antonio, dal quale nasce un amore profondo e travolgente. Incapace di manifestare a pieno i suoi sentimenti, Emma si esprime attraverso l'abbigliamento, creato per lei da Raf Simons per Jil Sander. Scarlatto, vinaccia, bordeaux - le tonalità di rosso si susseguono come messaggeri di una passione sopita ma mai scomparsa, declinandosi su eleganti tubini e abbinati a borse di Hermès - trasformando un vestito in una dimensione in cui evadere.

Thriller psicologico in cui mania e ossessione si sviluppano sulle note di un fiabesco Tchaikovsky, Il Cigno Nero è complesso e al tempo stesso bellissimo. Con la regia di Darren Aronofsky e con protagonista Natalie Portman, il film segue le vicende di una ballerina classica, Nina Sayers, dotata di una grande talento artistico ma al contempo sconvolta da disturbi di personalità. Scelta come nuova prima ballerina della sua compagnia, Nina è chiamata a interpretare Odette, principessa de Il Lago dei Cigni. Una favola che si trasforma in un vortice di psicosi e allucinazioni, in cui il candore e la bontà del cigno bianco si alternano alla malvagità del cigno nero, sul palcoscenico come nella mente di Nina. A realizzare i meravigliosi costumi di Natalie Portman sono Kate e Laura Mulleavy, sorelle fondatrici del brand Rodarte, alle quali si devono gli abiti di scena della Portman nonché i bellissimi tutù, uno bianco e uno nero, indossati dalla protagonista.

Per ingannare il tempo in quarantena durante l'emergenza coronavirus, Billy Porter ha lanciato una sfida a tutti i suoi fan, invitandoli a replicare i suoi mirabolanti look da red carpet.

L'attore di Pose, ha proclamato la prima fashion challenge come se stesse annunciando l'inizio di una delle famose ball della serie Netflix.

«È tempo per la nostra prima sfida di moda! Usando solo gli oggetti trovati in casa, datemi la vostra migliore riproduzione del mio outfit al Met Gala 2019 […] Siate creativi e divertitevi! Coinvolgete tutta la famiglia e ricordate di taggarmi e utilizzare l'hashtag #BillyPorterFashionChallenge», ha commentato Porter con la promessa di condividere i suoi look preferiti.

L'originale abito alato realizzato da The Blonds per Billy Porter è stato reinventato dai follower dell'attore nei modi più disparati, scorrete in basso per scoprirne alcuni dei più originali.

Artcurial, specializzata nelle vendite esclusivamente online, si prepara alle nuove aste: Hermès Vintage (da giovedì 7 a giovedì 14 maggio 2020), gioielleria (da venerdì 8 a giovedì 14 maggio 2020) e orologi vintage e contemporanei (da martedì 19 a lunedì 25 maggio 2020).

Tutti i lotti sono di pregio, ma la nostra attenzione è stata catturata dalla proposta di borse vintage Hermès che comprende pochette, tracolle e le iconiche Birkin e Kelly. Se siete curiosi, qui sotto potete scoprire i modelli che saranno battuti.

Come partecipare all'asta di Artcurial

• Registrarsi alla piattaforma Artcurial Live Bid platform.

• Guardare il catalogo che mostra le proposte, mentre un report molto accurato è messo a disposizione per conoscere le condizioni del pezzo.

• Si ha a disposizione cinque giorni per decidere e puntare, a partire dalla pubblicazione online.

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Esiste una “stanza tutta per sé” per ogni artlover, ed è un luogo virtuale: si tratta della (sempre più visitata) piattaforma Arts&Culture di Google che, in questi difficili giorni di necessaria quarantena, offre un rifugio di bellezza, stupore, consolazione.

Aprendo quella porta, si entra in un universo di colori e declinazioni creative: i neuroscienziati da tempo hanno dimostrato quanto la vicinanza fisica con un’opera d’arte generi benessere psico-fisico in chiunque, e non c’è motivo di pensare che questa “corrispondenza di amorosi sensi” non si possa attivare anche da remoto.

Vi proponiamo allora un poker ad altissima definizione di bellezza: cinque capolavori assoluti (4 pitture e una incisione) della storia dell’arte mondiale, particolarmente adatti al periodo storico che stiamo vivendo, visti così da vicino come mai sarebbe possibile. Per coglierne ogni dettaglio, per lasciarsi emozionare. Sono opere che tutti conoscono: eppure, osservate in questo modo, svelano tanto altro.

La Primavera del Botticelli  (cliccando sul segno + potrete ingrandire a dismsura) era stata pensata per andare “fuori porta”, nella villa dei Medici di Castello, ma in realtà non è mai uscita da Firenze e oggi è conservata nella Galleria degli Uffizi (accanto alla Nascita di Venere, in una di quelle sale dove più spesso i visitatori sono presi dalla Sindrome di Stendhal). Sandro Botticelli la realizzò per la potente famiglia dei Medici alla fine degli anni Settanta del Quattrocento. È un quadro parecchio affollato: a destra c’è Zefiro, il vento di Pirmavera, che insegue la ninfa Cloris di cui è innamorato e che trasforma in Flora, la donna che indossa l’abito fiorito, la nostra Primavera.  Al centro c’è lei, Venere, dea della bellezza ma soprattutto della forza vitale: è lei la regista di tutto quel che succede sulla scena. A sinistra ci sono le tre Grazie (provate ad ingrandire al massimo: al collo portano dei ciondoli magnifici che difficilmente si riescono a vedere nella visione dal vivo, al museo) e accanto a loro Mercurio scaccia via le nuvole per non rovinare il clima primaverile. Questo è ciò che vediamo, ma che cosa voleva dirci Sandro Bottocelli, uno che non faceva mai nulla per caso? Gli studiosi si sono arrovellati su tutti i possibili significati nascosti, e forse il numero stesso di fiori diversi che compare sulla tela (lo zoom di ArtsandCulture è utilissimo per vedere ogni dettaglio: ci sono quasi 200 specie vegetali diverse!) sta a significare che questo dipinto è – volutamente – criptico. Per alcuni intende celebrare un matrimonio (quello tra Lorenzo di Pierfrancesco de’ Medici e Semiramide Appiani), per altri starebbe a indicare dei precetti della filosofia neoplatonica, altri ancora pensano indichi un calendario dei mesi (da Zefiro, febbraio, a Mercurio, settembre). Una cosa è certa, e se “navigate” dentro il dipinto lo percepite: il magico enigma è frutto della particolare tecnica usata dal pittore che ha steso una preparazione diversificata a seconda delle zone della tela (il beige chiaro dove vennero dipinte le figure, nero per la vegetazione). L’effetto? Ipnotico.

Come ha fatto un foglio alto 23 centrimentri e largo 15 e mezzo a diventare un simbolo (e un quote usatissimo)? Merito dello spagnolo Francisco Goya, che ha rivoluzionato l’arte dell’incisione. Lo possiamo vedere qui e davvero il cursore ci aiuta a cogliere meglio ogni dettaglio di questo “Capriccio” ( i Los Caprichos sono una serie di un’ottantina di opere da lui realizzate alla fine del Settecento per ritrarre, in modo umoristico o satirico, vizi e umane miserie: questo è il più celebre ed è conservato alla Biblioteca Nacional de España, a Madrid). Che cosa vediamo? Possiamo leggere per bene il titolo El sueño de la razón produce monstruos: al centro poi c’è poi un uomo che sta dormendo, abbadonato su un mobile. Non vediamo il volto, solo la nuca. Alle sue spalle, gufi, pipistrelli e altri animali notturni, alcuni solo accennati, e un gatto che ha uno sguardo inquietante (allargate al massimo lo zoom e vedrete che occhi). Si pensa che sia un autoritratto: Goya dorme, ma la sua immaginazione galoppa e genera fantasie mostruose e inquietanti, come certi incubi notturni che attanagliano in questi giorni. Per dominare il male – suggerisce Goya – meglio accendere il cervello.

La guardia civica in marcia – meglio nota come La Ronda di notte – è un dipinto realizzato da Rembrandt nel 1642, il “secolo d’oro olandese”, e conservato al Rijksmuseum di Amsterdam (attualmente è in restauro: il primo, nella storia, ad avvenire davanti agli occhi del pubblico: qui https://www.rijksmuseum.nl/en/nightwatch  la storia affascinante di questa operazione). Il dipinto che possiamo osservare è grande: 3 metri e mezzo per 430 centimetri. Numeri non casuali: il pittore volle ritrarre le persone a dimensioni quasi reali, così da dare l’illusione che potessero saltar fuori dal dipinto e continuare verso di noi la loro marcia. Nella versione digitale tutto questo si perde, perché noi li guardiamo da uno schermo e da seduti: ma possiamo apprezzare altri dettagli. Il quadro rappresenta in primo piano il capitano Frans Banning Cocq, vestito di nero con una cintura rossa, e il suo luogotenente vestiti di giallo: è come una fotografia, un’istantanea del momento in cui il capitano dà inizio alla marcia. Verso dove? Non sappiamo dove è diretta questa ronda. Il dipinto è scuro ma se lo ingrandite al massimo potete contarre 34 (!) personaggi e dietro, seminascosto (si vedono solo gli occhi) compare persino un autorittratto di Rembrandt. Chi è poi quella bambina, l’unico personaggio inondato di luce (oltre all’altro soldato)? Tecnicamente rappresenta la “mascotte” della Ronda di archibugieri, così usava all’epoca. Avete notato che ha degli artigli di pollo morto attaccati alla cintura e che porta un calice? Sono tutti simboli di quel tipo particolare di ordine di soldati. Ma è il viso ciò che conta di più: quel volto pazzesco che è un misto di ansia, di paura, di fretta, è un volto senza età (è davvero una bambina?) e pare sia il ritratto dell’amata moglie del pittore. Lei è la luce, anche nel momento più buio della vita.

Gustav Klimt realizzò il suo celeberrimo Bacio quando Picasso tra il 1907 e il 1908, quando Picasso lavorava alle Demoiselles d’Avignon (eccole al MoMa di New York https://www.moma.org/collection/works/79766 ): incredibile, vero? Ma l’arte procede per sentieri paralleli, ed è bello così. Uno dei baci più intensi della storia della pittura raffigura due amanti che si tengono stretti l’uno all’altra: lui si china e, in un gesto di rara tenerezza, prende tra le sue mani il capo di lei, per baciarla (dal vivo, quando la quarantena sarà finita, si potrà ammirare qui). Ma dove sono questi amanti? Zooomate bene: è vero che il vostro schermo scintilla? Klimt usa come solo gli antichi bizantini avevano fatto prima di lui (e non a caso: era stato a Ravenna a vedere i loro mosaici) la foglia d’oro e la tempera in oro: crea una sorta di sogno attorno ai suoi amanti, un tempo astratto e sospeso. Attenzione, però: l’atto del bacio è concreto (guardate le unghie di lui quanto sono arrossate dalla pressione, e anche le guance di lei). Ora provate a tornare alla dimensione normale del dipinto, senza zoom: è un quadrato perfetto (dal vivo misura 180 centimetri per lato). La perfezione dell’amore assoluto.

Guardiamo ora i ‘falchi della notte’: sono i protagonisti del più famoso dipinto dell’americano Edward Hopper, Nighthawks (lo potete ammirare in ogni suo dettaglio qui). Se in questi giorni vi sentite anche voi un po’ come dentro un quadro di Hopper,  è entrando dentro questo locale che si “sente” davvero la solitudine (li avete notati i porta-sale? E il volto del barista? E quello, disincantato di lei, mentre stuzzica qualcosa?). Questo quadro è stato un parto faticosissimo, come racconta Gail Levin, la moglie di Hopper, nelle sue memorie (sono raccolte in Edward Hopper. Biografia minima, lo edita Johan & Levi: è un tomo di 400 pagine, merita). La Seconda Guerra Mondiale subisce, dopo Pearl Harbour, un’impennata, Hitler delira, l’America ha paura e Hopper se ne sta a New York a dipingere e non vuole assolutamente essere disturbato. Sta dipingendo quella tela (gli serviranno quasi una ventina di schizzi preparatori per arrivare alla sintesi finale). L’opera rappresenta “la solitudine di una grande città”, ha detto una volta Hopper, uno che odiava parlare in pubblico del suo lavoro (chissà quanto deve essergli costato fare quella chiosa..). Sul perché il dipinto ci affascini così tanto, e particolarmente in questi giorni (è tra le opere d’arte più citate e postate su Instagram), è quasi scontato dirlo: un bar semideserto, la ‘distanza sociale’, il buio fuori, l’aria sospesa, e ognuno che pare “perso dietro ai fatti suoi”. Siamo tutti noi l’uomo col cappello, seduto di spalle, anzi siamo colui che da fuori osserva tutta la scena. E aspetta.

Durante la quarantena, potete essere più impegnati e attivi che mai. Ecco qualche idea per: 

- visitare i più importanti musei del mondo, 

- esplorare l'arte contemporanea

- entrare nei palazzi di Versailles, Windsor e Buckingham Palace

- immergervi nel mondo affascinante di Frida Kahlo  

- scegliere un libro tra le migliaia di volumi disponibili gratuitamente nella biblioteca mondiale dell'Unesco 

- ascoltare i podcast di Vogue Italia

- e perfino andare a teatro. Buon divertimento!